在现代科技的辅助作用下，舞台设计有了非常丰富的表现与发展。但其实许多精美的舞台设计，都带有旧时代的“影子”，所以我们先从历史长河中寻找一些“典范”。
下面康石石以舞台的发展为线，聊聊有创意又美观的舞台设计：
1、Epidaurus Theatre艾比道格拉斯剧场
艾比道格拉斯剧场建立于公元前350~340年，通过复原图和遗迹图我们可以看出这座古代的杰出剧场：表演区域是大型神庙场景，弧形通道下方的观众席被13条向中心纵向的通道分成12块，弧形通道上方观众席被23条纵向通道划分成22块，便于观众入场和散场。
这样的古希腊剧院为后世的Colosseo斗兽场等都提供了宝贵的经验。
2、Teatro Olimpico奥林匹克剧院
提到出色的舞台设计，就不得不提坐落于意大利Vicenza的Teatro Olimpico奥林匹克剧院，整体的剧院设计由文艺复兴时期意大利北部最出色的设计师Andrea Palladio亲自操刀。剧院风格完全基于透视效果呈现，设计师不满足于常规的舞台布景所营造出的空间真实感，索性将舞台布景完全做成实景（见平面图），在舞台上形成了非常强烈的视觉冲击。
3、Adolphe Appia阿道夫·阿皮亚-解构舞台
纵观整个舞台设计的发展史，其中有一个环节不得不提，那就是Bayreuth拜罗伊特式的舞美风格变迁。Wilhelm Wagner（威廉·瓦格纳）的家乡Bayreuth作为传统歌剧舞美的大本营，一直坚持贯彻“真实道具制作，真实场景营造”，这种风格一直延续到了Adolphe Appia（阿道夫·阿皮亚）的出现。
传统舞台布景更像是古典美术中风景画的呈现，一切都趋于真实效果营造
阿皮亚作为瓦格纳歌剧的忠实迷弟，他认为现有的歌剧效果还不能完美的诠释瓦格纳的歌剧作品，他认为歌剧舞台艺术，应该是是视觉艺术（空间）与音乐艺术（时间）综合起来的表演艺术（还要考虑观演关系），就像古希腊人对音乐的定义是‘’诗歌，舞蹈与音韵的三合一体现”如出一辙。
瓦格纳的歌剧音乐、语言非常出色，但是常规的舞台虽然力求逼真，但实际的效果与真实场景还有距离，舞台建筑的“不真实”与浮夸的道具、衣着还远远不能和歌剧本身相匹配。为此阿皮亚力求创造出一种全新的舞台视觉形式：将传统的“舞台绘景布景”转化为“解构后的舞台布景”，不需要“真实的”宫殿建筑，不需要真实“草木山水”，而应该创造出“人处在宫殿时的感受，人处在森林中的体验”，舞台设计从阿皮亚之后，先锋派的解构舞台出现，这也是现代舞台设计的雏形。
4、New Bayreuth新拜罗伊特舞台
阿皮亚的设计理念和所有具有“哥白尼式”变革者的遭遇一样，排斥、谩骂、嘲笑等等，而真正将他理念变为现实的人则是瓦格纳的曾孙子Wieland Wagner（威兰德.瓦格纳）。
维兰德在1954年制作的《尼伯龙根的指环》中为我们带来了New Bayreuth（新拜罗伊特）舞台，他没有制作真实壮阔的Valhalla、Bifrost、Yggdrasill、Valkyrja雕塑，他们存在，但完全换了一个外貌。
在新版的《尼伯龙根的指环》中，整个的舞台中心就只是一个圆盘。圆盘是对希腊剧场的致敬，而舞台后面的光环则代表着指环。在表演进行中，地面的圆盘不断分开又重组。在瓦格纳的原版歌剧中，对人性、爱情、自由等等这些概念的描叙与刻画，相对于传统舞台设计，这些感知向的核心价值表达在现代的舞台设计中得到了更好的诠释。
5、新拜罗伊特式舞台的“后续”
新拜罗伊特式的舞台创作对舞美设计的影响从它诞生后一直持续到了现在。所有舞美人都熟知的捷克舞美大师Josef Svoboda（约瑟夫·斯沃博达），在他出色的光影应用中，我们能看到属于阿皮亚的舞台效果“影子”：
斯沃博达非常敏锐的感知到了灯光对舞台设计的巨大作用，颠覆了传统的布景，在他的作品中，幻灯片、光柱、光幕墙以及各种发光体等取代了道具在舞台上的地位；交织的光与影给舞台表达提供了更大更自由的空间；舞台美术也不再是独立存在的艺术形式，电影画面同样给舞美提供了很多素材与参考，小屏幕与大屏幕的视觉创造有了更多的交互可能性。
除了斯沃博达，欧洲地区的舞台设计也在蓬勃发展，我们或多或少也能看到一些“新拜罗伊特式”的影子：
望有启发
